ページ

ラベル Peter Bernstein の投稿を表示しています。 すべての投稿を表示
ラベル Peter Bernstein の投稿を表示しています。 すべての投稿を表示

2020/02/17

Play "MONK"(1)

本日2月17日は、セロニアス・モンクの命日である(1982年没)。

セロニアス・モンクを単なるジャズ・ピアニストではなく、「作曲家 (composer)」として聴くというコンセプトを発見(?)して以来、モンクを聴く楽しみが倍加した。モンク本人以外に、別のプレイヤーが演奏したモンク作品にも興味が湧いて、誰かがモンクの曲を演奏したレコードを見つけると、聴いてみたくなってつい手に入れてしまうからである。各奏者がモンクの書いた曲をどう解釈し、演奏しているのか、それぞれの違いが興味深いし、その比較がとても面白い(細かな技術的な違いが分かるわけではない。あくまで感覚的なものだ。念のため)。時代ごとに、楽器ごとに、バンド編成ごとに、そして奏者のモンク解釈とモンクへの思い入れごとに、それぞれ違うプレイが楽しめる。それに、耳タコになったようなジャズ・スタンダード曲と違って、モンクの曲は何度聴いても、聴くたびに新鮮さがあって、飽きないのである。<Epistrophy>と<Round Midnight>という代表曲の他に、<Ruby, My Dear>,<Reflections>,<Ask Me Now>など美しいバラード系の曲がモンク・スタンダードと言うべき曲で、多くのミュージシャンに取り上げられている。モンクの生前、あるいは1982年の没後にトリビュートされた同時代の主要ミュージシャンによるレコードもかなりある。もちろんそれらも興味深いが、モンクの音楽にはジャンルや時代を超えた不思議な魅力があるので、没しばらく経ってから比較的新しい世代のミュージシャンたちによって録音されたものは、時代が異なるので音楽的解釈も新鮮かつ多彩で更に面白い演奏が聴ける。

Monk in Motian
Paul Motian
1988 JMT
そうしたアルバムを時代を追って探すと、まず挙げられるのは、新世代とは言えないが、ドラマーのポール・モチアン Paul Motian (1934-2011) が全曲モンク作品を取り上げたMonk in Motian』(1988 JMT) だろう。モチアンはモンクやレニー・トリスターノとの初期の共演をはじめ、実に多彩なキャリアを持ったドラマーだが、もっとも有名なのは何と言ってもビル・エヴァンスとのピアノ・トリオ、およびその後のキース・ジャレットとの共演だろう。ところが80年代からは、ビル・フリゼール Bill Frisell (g)、ジョー・ロヴァーノ Joe Lovano (ts)との “ピアノレス” トリオによる演奏に注力するようになる。このアルバムではモンク作の有名な10曲を取り上げており、モチアンの繰り出す多彩なリズムに反応するフリゼールとロヴァーノの浮遊感の濃い独特のサウンドと演奏が楽しめる。またジェリ・アレン (p) とデューイ・レッドマン (ts) 2曲ずつ客演して、独自のモンク観を表現している。特にジェリ・アレンのピアノが入ると、さすがにモンク色が一気に強まって楽しい。アルバム・タイトル通り、どの曲もモチアン的解釈による斬新なモンクが楽しめ、個人的に非常に好きなアルバムだ。
* 収録曲は以下の10曲。(GA=Gerry Allen, DR=Dewey Redman)
Crepuscule With Nellie / Justice (Evidence) / Ruby, My Dear (+GA) / Straight No Chaser (+DR) / Bye-Ya / Ugly Beauty / Trinkle, Tinkle / Epistrophy (+DR) / Off Minor  (+GA)/ Reflections

Jurassic Classics
James Carter
1994 DIW
90年代以降のレコードでは、まずテナー奏者ジェイムズ・カーターJames Carter (1969-) Jurassic Classics(1994 DIW)での演奏を挙げたい(モンク作品は2曲だけだが)。これはカーターのデビュー2作目で(いずれも録音はDIW)、他のスタンード曲5曲と並んで、<Epistrophy>と<Ask Me Now>という2曲の代表的モンク作品を演奏しているが、両演奏ともに素晴らしい。特に13分余に及ぶ<Epistrophy>は、エリック・ドルフィー(『Last Date』に収録)を含めた数ある同曲演奏の中でも最高の部類に入るのではないかと個人的に思っている。"Epistrophy" とは、ギリシア語で「結句反復」という、強調のために文末で語句を反復する修辞技法を意味する語で、普通の辞書には載っていない(もちろんモンクはそれを知っていたということだ)。エモーションとユーモアを湛えて自由闊達、豪快に吹きまくるカーターのテナーとカルテットの演奏からは、単純なリフが反復循環されるうちに、不思議な高揚感が湧いて来るこの曲に込めたモンクのアイデアがダイレクトに伝わって来て、聴いていて実に楽しく爽快だ。一転して、バラード<Ask Me Now>は実に優しく、これもまたもう一つのモンクの世界を忠実に、かつカーター的に表現しているように思う。もしモンクがこれらの演奏を聴いたら、両曲ともきっと大喜びしたのではないだろうか(カーターは、モンクの相棒だったジョニー・グリフィンともどことなく似たところがあるし)。このCDCraig Taborn (p)Jaribu Shahid (b)Tani Tabbal (ds)というメンバーによるカルテットで、他のスタンダード曲も併せて全編で若きカーターのイキの良いプレイが聞ける。特にCraig Tabornの自由で躍動的なピアノがいい。カーターと同年生まれで早逝したトランペッター、ロイ・ハーグローヴ Roy Hargrove (1969-2018) の『The Vive』と並んで、これは1990年代の私的ベスト・ジャズ・アルバムの1枚でもある。


ギターでモンクに挑戦というコンセプトは、ビル・フリゼール以外はあまりなかったように思うが、2000年代に入ってからは、ギタリストのアルバムと演奏が目立つようになる。理由の一つは、2002年にギタリストのスティーヴ・カーディナス(Steve Cardenas)がモンク作品を正確に採譜した楽譜集『Thelonious Monk Fakebook』(ドン・シックラー編集)を出版し、それまで曖昧な部分が多かったモンクの曲に、信頼できる “標準的楽譜” が初めて登場したことだろう。まずピーター・バーンスタインPeter Bernstein (1967-) が、2007年にMonk(Xanadu)というギター・トリオ・アルバム(Doug Weiss-b, Bill Stewart-ds)で全曲モンク作品を取り上げた。たぶんギターで全曲モンクに挑戦というのは、この『Monk』が初めてではないかと思うが、ここでのバーンスタインの演奏は、いずれもオーソドックスなジャズ・ギターで、比較的あっさりと(慎重に?)モンクを解釈するという無難なスタンスで、あまり挑戦的ではない。バーンスタインは、その後も、Brad Mehldau (p)、Christian McBride (b)、Gregory Hutchinson (ds) というカルテットによるSigns Live!』(2CD、2015 Smoke Sessions) というライヴ演奏で、<Pannonica>、<Crepuscule with Nellie /We see>という3曲をカバーしている。こちらはブラッド・メルドーのピアノが入ることもあって、モンク作品も含めて、どれもカラフルな演奏で非常に楽しめるアルバムだ。特に<Pannonica>ではメルドーのピアノがいい。
* 『Monk』収録曲は以下の12曲。
Let's Cool One / Pannonica / Work / Brilliant Corners /In Walked Bud / Monk's Mood / Well You Needn't / Bemsha Swing / Played Twice / Ruby, My Dear / Blues 5 Spot / Reflections

Kurt Rosenwinkel
Reflections
2009 Wommusic
マーク・ターナー Mark Turner (ts)と共演していたカート・ローゼンウィンケル Kurt Rosenwinkel (1970-) のギターが好きで、よく聴いている。モンク曲のタイトルから取ったReflections』(2009 Wommusic)というアルバムでは、Eric Revis (b)、 Eric Harland (ds) というギター・トリオで、タイトル曲<Reflections>と<Ask Me Now>の2曲を演奏している。ローゼンウィンケルのこのギター・トリオ盤は、ジャズ・スタンダードとモンク、ウェイン・ショーターのバラード曲をそれぞれ取り上げているが、タイトル曲であるモンクの<Reflections>をはじめ、全体に静謐で、モダンで、深く沈潜するギターサウンドが、相変わらず素晴らしく、個人的に非常に気に入っているアルバムだ。デビュー作『East Coast Love Affair』でも<Pannonica>を演奏しているが、できればもっと多くのモンク作品をローゼンウィンケルのギターで聴いてみたい。

Epistrophy
Bill Frisell
2019 ECM
上記ポール・モチアンのアルバムから30年経って、ビル・フリゼール(1951-)も今や大ベテランギタリストになったが、トーマス・モーガン(b)とのデュオ新作『Epistrophy (2019 ECM)では、タイトル曲と<Pannonica>という2曲のモンク作品を再び演奏している(フリゼールも、かなりのモンク好きと見える)。好評だった前作『Small Town』と同じライヴ演奏(2016年3月、「ヴィレッジ・ヴァンガード」)で収録した曲から成るアルバムで、モンク作品以外のよく知られたスタンダード曲の演奏を含め、どの解釈も新鮮で相変わらず不思議な魅力があるジャズ・ギタリストというよりも、今やアメリカン・ヒーリング・ミュージックとでも呼べそうなフリゼールのギター・サウンドだが、カントリーやブルースという土台に加え、そこにはジム・ホールにつながるジャズ・ギターの深い伝統も、トリスターノやフリー・ジャズにつながるアブストラクト的音楽の要素もあり、1950年代生まれのミュージシャンが経て来た多様な音楽体験が渾然一体となって、摩訶不思議とも言える独特のギターワールドへと我々を誘う。21世紀になっても古びないフリゼールの音楽の秘密は、その超合金的組成ゆえの本質的に多彩で強靭なサウンドにあるのだろう。ジム・ホールという名ジャズ・ギタリストが、ロン・カーター、レッド・ミッチェル、チャーリー・ヘイデンというベーシストたちとデュオで共演してきたその歴史的延長線上に、トーマス・モーガンと共演するビル・フリゼールがいる。

2017/06/12

リー・コニッツを聴く #6:1970年代以降

Lee Konitz」を翻訳する前に私が聴いていたコニッツのレコードは1960年代までで、70年代以降のレコードははっきり言って聞いたことがなかった。70年代以降コニッツは大量にレコーディングしていたが、日本ではこれまであまり紹介されていなかったこともある。だが、本文のインタビュー中で触れている録音記録をフォローするために、かなりの数のレコードを初めて聴いてみた。その中で印象に残ったレコードを何枚か挙げてみたい。

Jazz á Juan
1974 SteepleChase
Jazz á Juan」は、1974年フランスのアンティーブ・ジャズ祭におけるリー・コニッツ・カルテットのライヴ録音(Steeple Chase)である(メンバーは、マーシャル・ソラール-p、ニールス・ペデルセン-b、ダニエル・ユメール-ds)。アルジェリア系フランス人のソラールはフランスを代表する高い技術を持ったピアニストだが、コニッツとは同年齢(1927年生まれ)で、ソラールによれば1950年代初めのスタン・ケントン楽団訪欧の際に、パリのクラブ・サンジェルマンで行われたジャム・セッションに当時ハウス・ピアニストだったソラールが参加したのがコニッツとの最初の共演だったという。その後1968年に前記「European Episode」と「Impressive Roma」(Campi)で二人は初めて共演レコーディングを行なった。「Motion」(1961)や「Duets」(1967)での空間をたっぷりと使った演奏を聞くと、ソラールというフランス流の華麗で饒舌なピアニストと一体うまく行くのかと思えそうだが、これが意外にも相性が良かったようで、上記アルバムやこのライヴ演奏を含めて、その後二人は何度か共演し、またミュージシャンとして長い付き合いを続けることになった。ソラールのみならずベースのペデルセンも饒舌な人だと思うが、ソロ空間以上に、ここはコニッツ流の相手からの反応と対話を楽しむ、という点で彼の好みに合ったのだろう。当時のジャズ復活という気運もあって、またライヴということもあり、ここでのコニッツはフリーの度合も難解さ加減も適度で、しばらくなかったような自由と躍動感あふれる(コニッツ的に)演奏が続く。これをサポートするダニエル・ユメールの反応の速いめりはりのあるドラムスも非常にいい。コニッツのオリジナル1曲の他はスタンダードの有名曲が5曲だが、いつもほどは解体していないので少なくともテーマ部分はわかる(ピアノのせいもあるが)。この時代の他の録音を全部聴いたわけではないが、コニッツが10重奏団に挑戦した「リー・コニッツ・ノネット」と並んで、このレコードは70年代コニッツを代表する1作と言えるだろう。

The New York Album
1987 Soul Note
80年代に入るとコニッツはピアニスト、ハロルド・ダンコと組んで正式なグループではないが双頭カルテットで演奏しつつ、実質的なリーダーとしてヨーロッパや日本へのツアーを含めて活動を続けていた。比較的短期間の活動ではあったが、「The New York Album (1987 Soul Note)は、「Ideal Scene」(1986同)と並んで、そのカルテット時代に録音した80年代を代表する1作だろう。リズム・セクションは何人か入れ換わっていたが、このCDではマーク・ジョンソン(b)、アダム・ナスバウム(ds) が共演している。このアルバムは、演奏からみなぎるカルテットの一体感と解放感、ジャズ的グルヴ、選曲、メロディアスな表現など、すべてにおいて優れていて、私的にはコニッツの80年代のベスト・アルバムだと思う。こういう高い完成度を持った自身のカルテットとしての演奏は、傾向は違うが50年代半ばのStoryville時代以来と言える。スタンダード2曲、コニッツのオリジナル2曲の他、<Candlelight Shadows>(ダンコ作)、<Everybody’s Song but My Own>(ケニー・ウィーラー作)、<September Waltz>(フランク・ウンシュ作)、という3曲のコニッツの盟友ミュージシャンのオリジナル曲との選曲バランスが良く、またどの曲もメロディが非常に美しいのが特徴だ。何よりコニッツも、ダンコを始めとするリズム・セクションも、時にハードに、時にソフトに全体として実に伸び伸びと演奏しているところがいい。したがってコニッツのアブストラクト度もいつもより低く、リズムもシンプルで、メロディを素直にリリカルに歌わせているので非常にわかりやすい。おそらくメロディアスで伸びやかな演奏というこのアルバムの延長ラインで、90年代のペギー・スターン(p)と組んだハッピーなブラジリアン・バンドへと向かったのだろう。

Thingin'
1995 Hatology
1990年代のコニッツは、50年代に続く生涯2度目のピークとも言える充実した時期を迎えており、ハードで抽象的な表現から益々リリカルでメロディックな演奏に変貌しつつあった。「シンギンThingin’」は、リー・コニッツ(as)、ドン・フリードマン(p)、アッティラ・ゾラー(g) のトリオによるスイス・タルウィルでのクラブ・ライヴ録音だ(1995 Hatology)。ハンガリー生まれのギタリスト、アッティラ・ゾラーに50年代末にアメリカ移住を勧めたのがコニッツであり、その後ゾラーはフリードマンと共にフリー・ジャズを指向し、60年代後半にはコニッツも加わり三者で共演している。したがって、このアルバムは言わば旧知のベテラン同士の邂逅である。場所がスイスで、かつクラブ・ライヴということもあるのか、リラックスした3者の静かで緻密なインタープレイが実に楽しくまた美しい。録音も素晴らしく、アルトサックス、ピアノ、ギターそれぞれの音色、さらにそれらが混じり合い空間に響き渡る様子が見事に捉えられている。コニッツ作 <Thingin’>(<All The Things You Are>が原曲のライン)で軽やかに始まり、ゾラー、フリードマンの各ソロ曲を含め全7曲で、いずれもスローないしミディアム・テンポのオリジナル中心の構成だ。わかりやすくメロディックなコニッツのアルト、相変わらず透明感あふれる響きが美しいフリードマンのピアノ、無駄がそぎ落とされたタイトでクリーンなゾラーのギター、という3つの楽器が微妙に溶け合い、互いに反応し合う会話の流れが素晴らしい。3人ともにフリーの経験を経ていて、またレニー・トリスターノからの影響もあり、陳腐なジャズとは無縁のサウンドを求めている点で互いの音楽的資質と感性が近いのだろう。特に、フリードマンとコニッツは、この時期日本で共演したカルテットのライヴ録音(1992 カメラータ)もそうだが、おそらくリズムと空間の使い方、求めるサウンドの美に共通するものがあって、互いにストレスなく自由に会話できる非常に相性の良い相手だと思う。録音時点で60歳を超えるベテラン3者の美しいインタープレイが紡ぎ出す音空間に、ひたすら耳を傾け心地良さに浸れる秀作である。

Parallels
with Mark Turner
2000 Chesky Records
もう1枚は、200012月リー・コニッツ73歳の時に、Chesky Recordsによってニューヨーク市チェルシーにあるSt. Peter’s教会でSACD/CD Hybrid録音されたアルバム「パラレルズ Parallels」だ。全8曲の内、コニッツが当時から高く評価していたギタリスト、ピーター・バーンスタインとのカルテット演奏に加え、マーク・ターナー(ts)4曲でゲスト参加したクインテットによる演奏が収められている。リズム・セクションはスティーヴ・ギルモア(b)とビル・グッドウィン(ds)。スタンダード2曲の他は、コニッツのオリジナル曲4曲(Subconscious-Lee、Palo Alto他)、トリスターノ作が1曲(317 East 32nd)、コニッツ・ターナー共作(Eyes)が1曲という構成。Cheskyの音はナチュラル過ぎてジャズの録音には向かない気がする時もあるが、コニッツのアルトサックスの微妙な音色を味わうには非常に適している。コニッツの録音としては、1992年の日本でのカメラータによるライヴ録音以来のナチュラルさだ。コニッツのアルトサウンドはアコースティックな良い録音でないと、特に晩年になって本人が常に意図している微妙なサウンド・テクスチュアの変化が捉えきれない。サウンドにしまりがなくなったとか色々言われていたが、今さら半世紀以上前のトリスターノ時代と比べられても迷惑だろうし、年齢を考えたらそれは当たり前のことで、むしろ本人はまったく違う美意識でその時期の自分のリアルなサウンドを常に再構築しようとしているのだ。本アルバムの聴きどころは、やはりマーク・ターナーとの共演だ。ターナーはトリスターノ派、とりわけウォーン・マーシュから受けた影響を広言してきた人だが、特にトリスターノの<317 East 32nd>やコニッツの<Subconscious-Lee>に聞けるコニッツとのユニゾン・プレイなどを聞くと、息もぴったりでまさにコニッツ&マーシュの往年の演奏を、時代を超えて見事に再現しているかのようで楽しい。ピーター・バーンスタインのギターは、あのビリー・バウアーに比べるとずっとオーソドックスで、バランスのとれた現代的なサウンドだ(当たり前だが)。録音のナチュラルさもあって、色々な意味で、特に往年の演奏を聞いてきた人たちにとっては、近年のコニッツの作品の中では最も楽しめるアルバムだろう。